Pintor Niobid, vaso de Niobid

(música Jazz) Estamos no Louvre e estamos olhando para um grande vaso grego antigo que data de meados do século cinco. É um calyx-krater de um artista que chamamos de pintor Niobid. Agora, um calyx-krater é uma grande tigela de ponche, basicamente. Os gregos antigos usavam para misturar vinho e água. O seu vinho era muito forte. Agora, o pintor Niobid é conhecido por este vaso especial que mostra na parte de trás uma cena terrível de uma mulher mortal chamada Níobe. Níobe teve 14 filhos. Sete filhas e sete filhos e ela se gabava deles por serem mais numerosos e bonitos do que os filhos da deusa Leto. Isso foi uma má ideia. Nunca se deve exibir esse tipo de arrogância a um deus ou uma deusa, e, neste caso, os filhos de Leto eram o deus Apolo e a deusa Ártemis. Agora, Apolo é associado com artes, música especialmente, talvez com o sol, e Ártemis é a deusa da caça. Ambos os filhos, aqui, querem vingança para sua mãe. Os gregos eram frequentemente preocupado com os mortais exibindo arrogância, mostrando orgulho. Aqui vemos Apolo e Ártemis matando os pobres filhos de Níobe. De acordo com o mito, eles mataram todos os 14 filhos. Aqui vemos Ártemis buscando mais uma flecha em sua aljava. Vemos Apolo armando seu arco novamente e vemos os filhos caindo no chão. Estes personagens ainda têm uma espécie de rigidez que eu associo ao clássico inicial e eu acho que isso é especialmente óbvio na figura de Apolo, que anda a passos largos para a frente, mas não parece ter o sentido de movimento que seria inteiramente natural ao que ele está fazendo. Esta é uma pintura vermelha e isso significa que vemos corpos que fazem parte da argila vermelha do pote em um fundo preto. Ela permite uma tremenda quantidade de detalhes. Por exemplo, no corpo de Apolo, a tensão de seu abdômen, para seu rosto. Vemos também Ártemis com uma renderização muito delicada nas dobras de seus tecidos. Observe que tanto a deusa quanto o deus são desenhados em perfil perfeito, enquanto os filhos que morrem estão mais frontais ou três quartos. Há uma rigidez lá. É um período que chamamos de Estilo Severo e é apenas neste momento em que o arcaico está se tornando o clássico que conhecemos, por exemplo, como as esculturas da Acrópole. A outra coisa que é tão óbvia aqui é que vasos gregos antes deste tinham os personagens em uma única linha de chão. Os personagens ocupam diferentes níveis. Parece que o artista, o pintor Niobid, estava tentando nos dar algum sentimento de uma ilusão de espaço com uma figuras em primeiro plano e outras em segundo mesmo tendo mesmo tamanho. É isso, não há diminuição na escala mas podemos ter noção que existem planos de chão quando vemos a árvore no canto superior direito. Vamos dar a volta porque temos uma imagem bem diferente em contraste com a violência de trás. Aqui, no centro, no lugar de honra no vaso, o herói Héracles. Héracles era parte mortal, parte deus. Ele é identificável porque ele segura uma arma e porque ele tem uma pele de leão. Observe que está no meio do vaso, literalmente. Seus pés não tocam a linha do chão. Ele está no meio e as figuras são colocadas ao redor dele. De novo, a idéia do artista sugerindo profundidade. Os historiadores da arte acham que isso mostra a influência da pintura de parede grega, nenhuma delas sobreviveu. Na verdade, achamos que este vaso pode ser um tipo de cópia da pintura de parede de um artista cujo nome sabemos, Polignoto, que pintou em Atenas e no Santuário de Delphi, a norte de Atenas. Ele foi creditado como sendo o primeiro artista a pintar figuras em profundidade. O que podemos estar vendo neste vaso é uma tentativa de traduzir essa pintura de parede em um vaso. Seria algo extraordinário, uma vez que praticamente nenhuma pintura grega de parede antiga sobreviveu. O que acontece aqui? O que Héracles está fazendo? Por que ele está cercado por todos estes guerreiros, alguns dos quais estão inclinados, alguns dos quais estão em pé e o que Atena está fazendo a esquerda dele? Uma das teorias mais aceitas sugere que esta não é realmente uma representação do deus Héracles tanto como uma representação de uma escultura do deus Héracles. Isto é uma pintura da escultura da figura mítica. O que está acontecendo é que soldados gregos estão vindo para honrar Héracles pedindo-lhe proteção antes de ir para a batalha. Certo. No final do período arcaico em 490 A.C. os gregos lutaram contra os persas e contra todas as adversidades e derrotaram o enorme exército persa. Isso pode mostrar soldados atenienses pedindo proteção a Héracles antes da batalha de Maratona. Se você olhar bem de perto é quase impossível ver como pode haver linhas de incisão pouco visíveis que sugerem Héracles está na verdade de pé em um pódio, o que apoiaria a ideia de que esta foi a escultura do deus em vez do deus entre os homens. O relaxamento expresso pelas figuras é notável para mim, especialmente as inclinadas ​​na parte inferior que parecem se puxar para cima se alavancando em suas lanças. Este relaxamento é como um contraste à violência dos assassinatos no outro lado do vaso. É um grande lembrete da maneira que os gregos gostam de contrastar o ativo contra o passivo, o complexo contra a simples e desenhar um contraste afiado, tanto em imagens como em sua técnica. A história da arte especula que o estilo de figuras em diferentes níveis vem da pintura de parede grega, e conhecemos a pintura de parede grega de escritores que celebravam-na. O assunto que vemos aqui ainda é muito mais um mistério e a relação destas histórias de uma para o outra ainda é muito incerta. [Música Jazz] [Legendado por Tiago Lemes Palhano Bordin] [Revisado por Raysa Valentim]