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Cor

Tom

Cores do espectro de luz visível (imagem: Meganbeckett27, CC BY-SA 3.0)
Os artistas podem usar cores por muitas razões, além de simplesmente duplicar a realidade, incluindo definir humores e realçar a importância.
As cores do mundo podem ser divididas de maneiras diferentes. Quando usamos o termo "cor" informalmente, o que normalmente queremos dizer é tom ou matiz. Os tons estão no espectro visível, e no espectro visível, nós vemos os tons puros. Eles podem ser divididas em cores primárias, secundárias e terciárias, como neste disco de cores.
Disco de cores (imagem: domínio público)

Cores principais, secundárias e terciárias

As cores primárias são, para a maioria das mídias de arte, vermelho, amarelo e azul (a exceção é o sistema de cores aditivo, que é usado em telas de computador, iluminação de teatro e similares, e que tem vermelho, amarelo e verde como suas cores primárias). Todas as outras cores podem ser obtidas a partir das primárias.
Cores secundárias são feitas misturando duas cores primárias: vermelho e amarelo fazem o laranja, e assim por diante.
Cores terciárias são feitas misturando uma cor primária com uma cor secundária.

Cores complementares e análogas

As cores que estão em posições opostas no disco de cores (como vermelho e verde, ou azul e laranja) são cores complementares, que tendem a se destacar fortemente quando estão juntas. Por isso, estas cores são frequentemente usadas como cores de universidades e logotipos de times esportivos. Cores próximas a outras (como vermelho e laranja, ou azul e verde) são cores análogas, e estas tendem a se misturar mais suavemente.

Cores quentes e frias

As cores à esquerda do disco são chamadas cores frias, e as à direita são as cores quentes. Usando cores frias ou quentes em uma imagem pode criar climas diferentes. Pierre August Renoir usou cores quentes para sua obra Mãe e Criança, 1886, criando uma cena quente, alegre e convidativa. Os laranjas, rosas e amarelos dominavam a pintura.
Esquerda: Pierre-Auguste Renoir, Mãe e Criança, 1886, pastel, 79,1 x 63,5 cm, (Museu de Arte de Cleveland); direita: David Alfaro Siqueiros, Mãe Camponesa, 1962, óleo sobre tecido, 249 x 180 cm (Museu de Arte Moderna, Cidade do México) © David Alfaro Siqueiros
Diego Alfaro Siqueiros apresenta um tema similar no seu quadro Mãe Camponesa (1929), mas através do uso de cores frias, ele cria uma cena triste e fria, dominada por azuis e verdes. Nenhum desses artistas estava preocupado em retratar o mundo como ele realmente é. Ao invés disso, eles usaram as cores para inspirar sentimentos em quem olha para suas obras.

Valor (tonalidade e sombra)

A cor também pode ser considerada em termos de valor, que é o grau de luz ou escuridão de uma cor. Se adicionarmos branco a uma cor teremos uma tonalidade. Se somarmos preto, ficamos com sombra. Como poderíamos esperar, as tonalidades tendem a ser mais alegres — as cores pastel são todas tonalidades. As sombras tendem a ser mais tristes. Há muitas tonalidades na Mãe e Criança de Renoir e muitas sombras na Mãe Camponesa de Siqueiros.
Henri Matisse, Sala Vermelha (Harmonia em Vermelho), 1908, óleo sobre tela, 180,5 x 221 cm (The State Hermitage Museum)

Saturação

Finalmente, intensidade ou saturação é o quão brilhante ou opaca é uma cor. Henri Matisse tendeu a usar cores muito saturadas, como em Sala Vermelha (Harmonia em Vermelho) (1908), enquanto que em Primavera da Floração dos Pessegueiros (1533), Zhou Chen confiou em uma paleta muito mais suave, com muito pouca saturação de cores.
A paisagem é quase que totalmente em tons de marrom e bege. O verde acinzentado das árvores tem baixa saturação, deixando a mancha vermelha na roupa da criança como o único ponto de alta saturação na imagem. Por isso notamos esse pequeno detalhe nessa grande pintura. A pintura de Matisse, ao contrário, é uma explosão de cores. O vermelho vibrante na parede e toalha de mesa domina a imagem, em em nítido contraste com a grama verde aparecendo através da janela e os azuis e roxos se curvando em toda a imagem.
Zhou Chen, Primavera da Floração dos Pessegueiros, 102,5 X 161,5 cm (Museu de Suzhou)

Contraste

O contraste é a quantidade de variação entre os valores mais altos e mais baixos de um trabalho. Usamos esse termo mais comumente para falar sobre fotografia, mas pode ser aplicado a qualquer trabalho. O Penhascos de Moher (1989) de Hiroshi Sugimoto tem um contraste muito baixo. Não há pretos escuros, não há brancos gritantes; tudo está em tons de cinza muito parecidos.
Esquerda: Hiroshi Sugimoto, Oceano Atlântico, Penhascos de Moher, 1989, litografia em offset, 24 x 31 cm (Instituto de Arte de Chicago) © Hiroshi Sugimoto; direita: Robert Mapplethorpe, Lírio de Calla, 1987, impressão de gelatina de prata, 17,94 × 17,78 cm (Instituto de Arte de Minneapolis) © Robert Mapplethorpe / The Robert Mapplethorpe Foundation
O baixo contraste transmite o sentimento suave e gentil de um forte nevoeiro sobre a água parada. Ao contrário, a fotografia de Robert Mapplethorpe Lírio de Calla (1987) tem um contraste muito maior, ou seja, a diferença entre os brancos e os pretos é muito maior. O eleito é muito mais preciso e nítido, fazendo com que esta flor simples pareça grande e impressionante.
Indo mais além, na silhueta de Kara Walker, Sem título (do Testemunho), o contraste é absoluto. Podemos ver apenas branco e presto (e aqui, algum vermelho).
Kara Walker, Sem título (do Testemunho), 2004, papel preto cortado com lápis, fita sensível a pressão, prendedores de metal e filme de polímero sintético em papelão, 52,7 x 38,1 cm © Kara Walker, (The Museum of Modern Art)
Neste caso, o artista está utilizando o poder deste contraste para chamar a atenção do espectador para alguns dos problemas nas relações raciais norte-americanas, e suas origens na instituição da escravidão. Assim, embora os elementos visuais produzam efeitos visuais, as suas implicações podem estender-se muito para além do meramente visual.
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